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十九世纪中期，写实主义的风景画和肖像画很受人们的欢迎，虽然在一些国家的年轻艺术家中存在一些议论，认为追求完美相似性的时代已经一去不返，但在诸如法国和英国这样的艺术圣地，艺术仍意味着对完美至细节的相似性的追求。判断准艺术家们是否优秀的标准是他们是否掌握了熟练的技法和规则。尤其在巴黎，新艺术家们更是力争在年度沙龙上展出自己的作品，在香榭丽舍举办的一个规模巨大的画展，作品的评委都是业内的专家，数十年里就是这些专家主导了大众的品位，风格新异的画作很少入选，而那些落选的作品往往会被评论家们口诛笔伐。
爱德华·马奈（1832-1883）就是那些作品经常落选的艺术家中的一位。他坚持以自己的风格作画，而不是遵循为沙龙作品的专家们订立的规则。虽然屡次被拒，马奈仍然坚持自己的方向，坚信自己的画法总有一天会获得大众的认可。1863年，他提交了一幅现在认为是印象派早期杰作的作品，但是在当时这幅作品却沦为轻蔑和嘲笑的对象。这幅作品就是《草地上的午餐》，画中的主角是三个坐在草地上的人，两位衣着考究的男人和一位女子，背景中还有另一位的女子，似乎裸泳后刚刚从湖里上来正在擦身体，在草地上坐着的女子也可能曾经在湖里裸泳，也可能没有。不过这看上去确实无关紧要，这幅作品的本意是探讨人眼看到的景象是什么样子的，这也是一种真实主义，只是完美的相似性并非他的追求。马奈为自己的新风格提出了一套理论，他说一幅画不应模仿主题肤浅的外表，其价值也不应由其所发表的意见决定。
一幅画应当是一个世界，没有任何别的事物可以与它相提并论。它只为自己而存在，既不因为某个社会问题而存在，也不沦为某人外貌的纪念。一幅画是色彩和光线的体验，对于马奈而言，我们所熟悉的世界只是他着手的起点，对许许多多追随他的画家而言也是如此。但这个世界最终由画布上有史以来出现过的最为灿烂的色彩转化成了另一个世界。在那里人体和自然的轮廓不再清晰，相互之间的界限不再分明，这些色彩各司其职，构成了一个不可分割的整体，形成我们在每一瞬间对于世界产生的主观印象。新生代艺术家们试图比文艺复兴的先行者们更进一步，更真实的再现人的视觉体验。他们希望试验人眼是如何感知色彩的，哲学家们则开始问这样的问题。色彩到底是物体本身内在的特性，还是观者自己的主观感受？
比如说画家看到一家人在湖边享受野餐，并决定把这个事情画下来。但是他看到并且必须复制到画布上的是涌进他眼里的光线，有不同的色调和明暗，彼此互相渗透，明部和暗部也互相揉札。伦勃朗和达芬奇曾经令光线在其所画对象身上发生奇迹，但是这些技法仅仅他们是将自己的主题戏剧化的手段。而对于印象派画家，光线本身应该是艺术的中心，这些色彩来自我们周边的世界，被神奇的光学现象投射到艺术家惊奇的眼里。此后还需要很多年物理学家才发现，光是由无数非常小的叫做光子的粒子组成的。但是印象主义画家本能地看到了光线并非那么简单，而是一种物理现象，并因而变革了艺术。这就是画家要做的。在画肖像画的时候，他们会在画布上画一些模特，脸上本来没有，但是却在那一天呈现出来的东西。
1863年，31岁的马奈因《草地上的午餐》引起艺术界的轩然大波，无论是题材还是表现方法都与占主流地位的学院派背道而驰，甚至连当时的皇帝拿破仑三世也对他表示了很大的不满。1882年，50岁的马奈展出了他生前的最后一幅作品《福利·贝热尔的吧台》获得了巨大的成功，官方为其授予“荣誉团勋章”，已近病入膏肓的马奈感慨一切来得太晚了。马奈的艺术风格深深影响了莫奈、塞尚、梵高等未来的艺术大师，这种画风不仅得以发扬光大，还为世人所认知并且认可，坚持革新精神的马奈最终成功了，虽然对于他本人来说成功来的略迟了些，但他却开启了一个艺术的新时代，让艺术通过一种新的形式获得了新生。
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