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已经没法儿再夸了。
自从今年1月摘得金球奖“最佳导演”和“最佳剧情片”两项大奖。
《1917》就一路披襟斩棘，把北美、英国的各种颁奖礼，全数屠了个遍。
截取自维基百科
纽约时报说它是“奥斯卡颁奖季的天外飞仙”，
好莱坞报导预测“它几乎可以确定会入围最佳导演、最佳影片和最佳原创剧本”，
CNN记者激动得振臂高呼“这是部壮阔的电影巨作，两个小时毫无喘息空间！我需要喝点饮料。”
而这，还有个大前提——
为了赶在19年圣诞节上映，当年4月开机的《1917》从一开始就没准备大规模的公关造势。
豆瓣评分8.5，IMDb8.3，烂番茄新鲜度89%，mtc评分78（已经很高了）。
有位豆瓣网友，喊出了不少人的心声：
“国内文艺片导演好好学学，长镜头不是单拿来装x的！”
这话终于说到点上了，《1917》不仅有长镜头，而且将这些镜头“浑然天成”地衔接到一起。
什么？
你说：
这片不就是一个镜头下来的嘛？
可别被骗了。
更何况这片真正的难点，还不止剪辑——
《1917》
2020.8.7 中国大陆
1917年4月6日，法国境内的英德作战前线。
士兵史考菲（乔治·麦凯 饰）和布雷克（迪恩·查尔斯·查普曼 饰）授命传达一则消息：
德军不久前的撤退是一个陷阱，正在前线追击的部队，必须立即停止进攻。
组织之所以安排这俩新兵，倒不是源于他们受过专业的训练，而是因为——
布雷克的亲生哥哥，就在进攻的部队中。
史考菲这回虽说是被战友拉下水，但此次的任务怠慢不得。
其实两个人都很清楚：
这次肩上背负的，是1600多条年轻的生命。
那传令兵的任务，最终能够圆满完成吗？
考虑到不少朋友为了看大银幕，至今没有刷完全片。
后面的剧情，我先不剧透。
要问到底凭啥《1917》成为颁奖季的香饽饽？
一句话就能总结——
靠的是，形式上一镜到底的真实感。
导演萨姆·门德斯其实在之前的两部《007》中，就展示过自己的长镜头能力。
到了《1917》他需要克服的困难，则更多。
>>>>剪辑
我大致分了下类，主要包括遮挡剪辑、黑幕剪辑、空镜剪辑、CG特效剪辑4种。
所谓遮挡剪辑，就是利用移动而过的人或物，在演员被遮挡的瞬间进行剪辑；
空镜剪辑，则是借助人物（或镜头）移出画外，在拍摄静物时进行剪辑；
CG特效剪辑，是依靠特效的合成；
黑幕剪辑最常见，也最容易被发现，就是画面完全黑掉。
挑一个比较有趣的例子。
在布雷克受伤出血而死的过程中。
有一幕，史考菲抬起他背过身，往后拉了一下。
这里就是遮挡剪辑，因为画面会因为人物的运动变得模糊，也就给了剪辑的机会。
然后转过头，布雷克的脸就画白了。
接下来，是一个类似空镜剪辑的镜头（在平移的过程中完成）。
当镜头转回来时，长时间失血的布雷克，脸色又描黑了一层。
为了真实呈现布雷克的死亡，这场戏硬是剪了两刀。
在没看到这篇总结前，我一直认为饰演布雷克的演员，是提前上了什么化学粉底。
>>>>调度
因为影片拍摄采用顺拍（即按照影片时间线拍摄），剪辑师全程跟组。
剧组所拍素材，基本都是当天剪完。
那么相比于剪辑，更难也更容易犯错的其实是调度。
在正式开拍前，演员们进行了长达4个月的预演。
有人曾透露：
“没有任何一个动作，是允许即兴发挥的。它渗透到你的肌肉记忆中，演员们的动作会决定摄影机的走向。”
我们看两位主演走进农庄小屋的这场戏。
从史考菲走进房间，
到布雷克出现在门口，
再到镜头变焦，跟着史考菲的眼神转回屋内，
这里必须要摄影师和演员，拥有足够默契的配合。
布雷克的出现但凡有一秒钟的偏差，又或者摄像机没跟上史考菲的步速或眼神，整个长镜头就废了。
我们在片中，看到各种尸体和散落在地上的物件。
它们是“战场如炼狱”的呈现，而这其中不少想必也是表演动线的关键点位。
>>>>置景
虽说《1917》没有真正“一镜到底”，但这个“一镜”，是必须做到的。
说白了，就是只有一个摄像机。
在这样的前提下，演员的表演空间得到了释放（多机位走错就穿帮了）。
相对的，美术置景也要全方位无死角的构建好整个场景。
在影片的筹备期，剧组辗转英国各地，最终搭建了约合5200步（约5公里）的壕沟。
不仅如此，剧组还严格遵循着一战时期英军与德军的壕沟特点，分别复原了当时的场景。
刷完片的朋友，应该对小镇上燃烧的教堂印象深刻。
这里用的当然不是真火，而是布满整个高墙的LED灯。
筹备期工作照与成片效果对比
据说影片中出现的绿植，都是导演亲自管理培育的。
如此看来，比起500亩玉米地主诺兰，萨姆·门德斯一点都不逊色。
>>>>剧本
既然是一镜拍摄，《1917》自然不必画分镜。
但拍长镜头，尤其是战争题材的长镜头，影片主创需要构建的却是整场戏每一个细节，涉及每一个动作，每一个道具的整体编排。
导演萨姆·门德斯和摄影罗杰·迪金斯曾透露过——
《1917》其实有两个剧本。
一个是传统剧本，另一个则完全是由图解构成的剧本。
而所谓的图解剧本，包含40页地图，每一张都清晰地标注了演员以及摄影机的移动路径。
当然，这是在取景完成和演员预演之间的空档期，必须完成的工作。
>>>>灯光
如果说前面提到的燃烧教堂，算是美术置景的工作。
那史考菲夜晚在小镇中穿梭，就只能让灯光组想办法了。
这段戏因为光源不好配置，主创想到了用“炮弹”照明。
像烟花一样的光源，反倒让整场戏的美感提升了一个档次。
而地堡中的那场戏，因为涉及到演员走动，而且光源只有两盏油灯（其实是调光器）。
摄像和灯光为此研究了好几周，才把油灯的位置搞明白。
单是搞清楚位置还不算完，为了满足下一个机位的光源需求。
演员还要在表演时，辅助调节灯光的亮度。
注意男主左脸上的补充光源
克服了重重难关，萨姆·门德斯的努力总算没有白费。
《1917》带给我们了全新的观影体验，也让大家见识到了战争片前所未有的真实感。
初中历史课本，就告诉过我们。
一战的伤亡其实相当惨重，各国投入了大量的资金和青年劳动力。
耗时4年，最后谁都没占到多大便宜。
反而为了几千平方的领土，参战的年轻人就就要死伤过万。
由于没有处理垃圾的有效措施，一战中战场上的卫生条件极差。
一战中满是垃圾的作战环境
据统计，战斗中因战壕发热、结缔组织发炎、战壕脚、感冒造成的伤病，超过30%，而枪伤和弹片伤加在一起还不到10%。
士兵们大多数时间都在修战壕，等待命令；
因为草率的决定奔赴前线。
其实《1917》想要呈现的，也正如此——
战争，是让一个人走向厌倦和崩溃的过程。
别看这部电影的格局不大，视角也十分局限，但有关主角的不少细节，却能完成体现反战主题的补充。
例如：
布雷克一开始说自己曾想当牧师，后来就救下了负伤的德国空军；
在农庄里，布雷克表现地非常熟悉樱桃树，如果没有这场战争，很显然他就会在这样美丽的地方生活；
史考菲片头躺在树下，摸着胸前的内衬，结尾时我们才发现他在胸前放着家人的照片，照片背面写着“Come back to us”(回到我们身边）；
上面这个细节，也就能解释史考菲在地堡中慷慨相助，因为他很可能也有妻子和孩子；
而史考菲在同伴死亡后，剥下戒指和胸牌的流程相当熟稔，想必他曾经经历过这样的场面。
但总结了这么多拍摄上的艰难，细节上的优点，我也有一些“凉水”不泼不快。
回顾前面的分析，很容易总结出——
《1917》整部电影，其实就是围着“一镜到底”这个概念转。
它的拍摄很困难，技术很高端。
可过于倾斜的天枰，也倒向了一个问题——
形式大于内容。
四个字总结，《1917》的故事就是信使传令。
纵观全片，我们看不到实际的战况，引发战争的矛盾。
说的再深一点，大家只能看到反战的情绪，看到主人公前后的心路历程。
影片对战争的反思只停留在个体，没有完成升华。
士兵救人的故事，我们见过太多了。
远一点的《拯救大兵瑞恩》，近一些的《血战钢锯岭》，其实都在借战争题材谈反战。
单论剧情和主题，《1917》也就是稳扎稳打，并没有特别亮眼的地方。
影片的故事太单薄，表达不够深刻，这是其一。
至于史考菲一路遇到的各个人物。
除了科林·费尔斯饰演的指挥官，以及安德鲁·斯科特塑造的中尉，其他人都非常脸谱化，就像完成任务指引的工具人。
单纯走个过场的角色太多，没能撑起宏大的时代背景，这是其二。
要说整部电影最喧宾夺主的，我以为反而是那些最漂亮的场景。
农庄的樱花、燃烧的教堂、夕阳下的田野......
《1917》在战乱中，制造了种种奇观，这固然赏心悦目。
但诸如此类重场景化、形式感的情节过多，就必定会让能铺陈剧情，塑造人物的内容变得更少。
这部片拍得很美，战场的呈现也够残酷，但走出影院却一点印象深刻的情节点都记不得了？
回忆里似乎只有樱花、教堂和战壕跑。
在《1917》里，萨姆·门德斯对于一战这场战争，是没有足够的反思和明确的观点的。
过渡的追求摄影美感，切断了与观众交流沟通的通路。
当然，拍摄大量的长镜头，死磕一镜到底的格式，这本身就是一种框定。
要说萨姆·门德斯的片子没拍完美，反倒不如谈谈一镜到底战争片的上限。
导演是否早就考虑了这些问题，其实他只是想探索这种艺术形式真实感和美感的极限？
站在这个角度评判，《1917》的成功与失败，就见仁见智了。
总的来说，这部电影依然瑕不掩瑜。
它在技术和形式上都拓宽了战争片的维度，单从这点喜欢这个类型的朋友，就不能错过。
其实归根结底。
就像我们纳闷走艺术方向的李安，为啥跟高帧率过不去；
很难得到学院派认可的诺兰，怎么又一直坚持胶片拍摄，不肯涉足3D。
这些创作者们，有时不愿跟随时代，有时又赶在时代之前。
不是因为非得一条路走到黑，而是他们坚信什么样的方法，才能更好地表达自己。
如果成功了，那是我们的福气。
假如失败了，也有市场和资本迅速反馈。
无论你喜欢一部电影也好，讨厌一部电影也罢。
大家最希望看到的，永远是——
那些呕心沥血，可以为作品付出一切的人啊。
细腻且专注的人，永远最可爱。
我们也正因此，才迷上了电影。
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