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阿姆斯特丹艺术的原创性是一个滑溜的标准。模仿似乎与之相反。然而，艺术从来都不存在于公约，传统和前因后面。即使在“原创”作品中，模仿也潜伏着。艺术模仿的必然性为日本的灵感展示灵感提供了一个前提，本周末在梵高博物馆举办了为期三个月的展览。展出文森特·梵高的60幅油画和绘画作品以及19世纪中期日本艺术品的二十多件相关作品，这次展览的论点是，通过故意模仿日本艺术，一度不确定的梵高成为了我们所知道的梵高，这个人物可能是世界上最着名的画家。梵高对二十世纪的影响已经变得如此根深蒂固，几乎似乎已经被他的传记所预定了。然而，正如文森特凡高的信件（Penguin Classics 1997）以及最近重新出版的艺术家的嫂子乔凡高的文森特梵高的回忆录（J. Paul Getty Museum，2018年）所证明的那样 - 更长的是，自学成才的反野心家梵高没有想到他会成为他所拥有的。日本的启示描绘了他对19世纪日本艺术的构图方法和创新装置的研究如何改变了他的绘画和绘画策略。而且，正如这次展览所暗示的，他对日本艺术和文化的吸收并不局限于技术问题。在这个展览的低调的次要情节中，这位参观者收集了梵高如何将日本视为一个真实的国家，而不是一个理想的塑造新的自我形象的过程，通过这个形象他转变了他在事件最后的决赛中所呈现的几乎所有的地方，物体或人物他花了数年时间游荡在法国乡村。从未到过日本，他充其量只能了解其文化和人民的肤浅知识。这种无知让他想象日本是一个乌托邦的空间，在这个空间里，宗教感，沉浸在自然世界中，艺术的形成形成了单一的，相互依存的存在状态。如果这个故事有一个惊喜的结局，那么创意生活的愿景就是如此难以维系。就像任何成功的展览一样，像梵高这样熟悉的人物，来自日本的灵感必须默默地揭露艺术家传记周围的陈词滥调和刻板印象。特别是梵高的生活将艺术叙述视为一种自我毁灭的事业，以他着名的自残和随后的自杀为例。总而言之，这一重点将20世纪流行的这位艺术家的形象塑造成了一种被误解的，高度串联的，不幸的错觉。这种不幸的小说对艺术的力量和相关性有致命的影响; 它的阴险含义是艺术的创造本质上是病态的。一旦这个等式被接受为传统的智慧，一个浅薄的商业文化就会让自己付出更多的代价来支持艺术形式的调查，探究和知识。
尽管偶尔存在一些缺陷，日本的灵感也证明了梵高的各种作品大多无法反映出一些传记和情感生物学所重申的他的形象中出现的长期平庸。职业，呼唤，是这里的主题，伴随着艰苦的工作和试错。尽管宗教感受和思想对他的气质至关重要，但这次展览展示了他的朝圣是如何保持平稳和精确的。这符合自传记录。即使在处理棘手的家庭危机或后来的精神崩溃时，凡高在给他的同事和他的哥哥西奥的丰富信件中，始终保持审慎，务实和合乎逻辑。和他的想法一样，以及后来的他的艺术，梵高的传记既不简单也不浪漫。1853年生于荷兰的Zundert，他是荷兰归正教会的一位恶毒的牧师的长子。为了安抚他的父母，他在20岁出头，与国际艺术品经销商Goupil＆Cie进行了一场演出.Goupil首先在海牙，然后在伦敦，并在巴黎短暂地发布了他。通过这项工作，他接触到了来自各个时代的一系列欧洲艺术作品，从他早期的信件来看，他似乎很容易接受他们。1876年被古比尔解雇后，他在从事工作之前逐渐从工作转向工作，并在签约成为福音派传道人之前，在比利时矿工中工作，后来在阿姆斯特丹和伦敦的工人阶级飞地工作。1876年10月左右，英格兰的一位教会教徒将参加凡高的一场罕见的周日讲道，这是他在给西奥的一封信中抄录的一篇长篇演讲。在他的作品中，他将人类唤起人们的视为“地球上的朝圣者和陌生人”。这种表述在他的整个信件中以不同的语言回应，反映出一种开明的虚无主义，可能是他的北极星。一方面，这句话蕴含着一种对自然世界和人类特有的宁静异化。但在其积极意义上，他在他的信中反复思考，梵高指出，这种疏离可以成为人类与生活世界之间平等团结的起点。事实证明，这也是推动艺术创作的原因。也许试图将一个半成形的哲学转化为行动，他放弃了改变信仰。取而代之的是，他将日常观察视为他最后的伦理审美要求。1882年，他决定成为一名画家，他不断地给西奥写信，记录了他看世界的日子在他面前展开。当然，他很多时候都在为艺术品供款，他真的很感激他得到它。但他并非被动或妄想，泰奥知道这一点。
梵高将感知视为一种与绘画相关的人际劳动。“早上4点我就坐在我的阁楼窗口，”他写道，“用我的视角框架研究草地和木匠的院子。”那个早期的艺术，以他在写给西奥的信中附上的图画的形式，最终达到了他的第一个完全实现的绘画“吃土豆的人”（1883年）的高潮。这种艺术活动还通过阅读像查尔斯·狄更斯和埃米尔· 佐拉这样坚韧不拔的现实主义者，并研究他最喜欢的画家让弗朗索瓦·米勒的艺术来加以补充。虽然他相信观察和现实主义是他所需要的，并且它的学科会产生值得这种禁欲主义的艺术，但他仍然对一位导师批评“土豆食者”感到愤慨，这表明他可能不确定这项工作是否证实了他的作品新的绘画承诺。正如日本的启示所说，他需要的安慰性的突破来自于1886-1887年的冬天，当时他在巴黎与西奥同住。与他的兄弟分享一个家，谁监督了一个蓬勃发展的艺术画廊，谁知道许多尖端艺术家，梵高不再需要写揭露他的进化的启示性字母。但是在巴黎时期，他的艺术究竟发生了什么事仍然是辩论的来源，这次展览令人信服地填补了这一缺口。在展览中有时不确定的历史术语中，“日本”这个词不是指这个国家，而是指19世纪后期英国和法国紧紧抓住日本艺术和文化的欧洲热情。巴黎的文化在japonisme中被淹没了。这种躁狂症也席卷了梵高，正如他从Edgar Degas和Henri Toulouse-Lautrec到Claude Monet和Camille Pissarro的新一代他的艺术家朋友正在重塑现实主义一样。具有影响力的艺术收藏家和作家爱德蒙德古贡尔出版了日本变形的流行小说切丽 ; 皮埃尔洛蒂写了菊花夫人 ; Gazette des Beaux-Arts的主编Louis Gonse发表了一篇关于日本艺术的专题，对前卫艺术产生了影响。梵高收集了日本版画，其中许多都在巴黎上市，甚至是有限手段的艺术家。到1887年初，他的收藏被认为是如此之大，以至于他希望通过在当时的爱好者 - 出生于意大利的Agostina Segatori经营的咖啡店出售许多印刷品来将其货币化。
和他几乎所有的商业追求一样，印刷品销售失败了。但它并不重要。受到同样热衷于使用日本艺术来扩展调色板的同行的启发，他将日本的技术和主题融入他的艺术中。这些创新中的每一个都在展览中得到个性化的关注。他们的解释通过悠闲节奏的音频指南得到增强，并穿插着解码他从日本杰作中衍生出的成分方法的安装视频。然后，这些技巧将在具有特殊注释的墙面标签中进行背景化和示例，这些标签会伴随他的绘画作品。此次展览通过将他的作品与他们自己的解释性标签搭配，将其作品与日本的特定作品搭配，将其挂在墙上，挂在梵高对面的墙上，从而强化了关于日本的论点。其中最主要的是来自Utagawa Hiroshige和Katsushika Hokusai的木版画的平版印刷品。学习任何给定的梵高，访客被邀请做一个面对面，并发现其声称的日本先行者。也许在整个展览中最令人惊讶的画布是日本艺术品“雨中的桥（1887年）”和“妓院之后（凯泽艾森）”（1887年）的两件非常活泼，艳丽， 。在每幅作品中，他将原始的绚丽色彩，程式化姿势和蜿蜒的服饰延伸至他添加到绘画实际框架中的图像和色彩。有一位明确的艺术家正在发表声明; 在研究日本版画时，梵高和他在巴黎的同龄人一样，决定艺术不需要包含在特定的画布中。用图形术语来说，在选择和处理主题方面采用较少等级的方法，像梵高这样的画家从日本的艺术中意识到，一幅画的内容可能无法预测地被裁剪，一幅画可以放大和缩小其细节，从视角和分界线来看，这种活力的核心是展览标题所宣称的“灵感”。随着法国新古典主义和学院主义用尽气力，日本艺术给了年轻画家一个新的实验许可证。尤其是梵高利用日本木刻艺术推断的观点，认为艺术可以超越其代表性的功能，即使它严格遵守其关注的特定对象。艺术本身或大胆的形式主义，即使在坚持传统的肖像画，风景画和静物画的时候也可以实现。这些以日本为灵感的精心构思融入了他的剧目中，形成了展览的组织设计。第一个主要的，也是持续时间最长的发展是采用更紧密的笔触，至少最初是模仿日本绉纹上的螺纹纹理。这种精心设计的孵化为“柑橘，柠檬，梨和葡萄”，“红卷心菜和洋葱”等静谧的静物以及展现在这里的幻想画像“PèreTanguy”（全部1887年）提供了丰富的分层和雕塑清晰度。它的平版印刷迭代。有胡子的Tanguy戴绿色和黄色的草帽，建议牧场或向日葵田; 他的蓝色外套像中午的天空一样着色; 他厚厚的金色白色双手紧握着，完成了一个沉思的姿势;其他的变化似乎也来自日本的模式。
他开始合并侵入性对角线并锻造更高，更宽和偏斜的视野。这些转化为近距离物体和远距离物体之间的支撑同时性，例如“ La Crau with Blach Trees in Blossom”（1889），观看者似乎悬挂在景观上，仿佛缓缓地向下跳入其中。在Hokusai系列的富士山三十六景系列（1830-1832）的带动下，他在“ Les Saintes-Maries-de-la-Mer附近的海景”（1888年）中尝试了平行且不一致的对角线，在平坦的，微妙的渐变的色彩领域的重量之下弯曲，穿过膨胀的天空。与此同时，在日渐衰弱的日光下，汹涌而破碎的海浪激起了相应的不可预知的色彩 - 绿色，蓝色，白色 - 在它们的横向运动之间创造了一种令人舒缓的焦躁不安。越来越多的法国南部愤怒的剪辑创造了无数的风景，梵高的绘画飞机模仿了某些日本绘画平坦，优雅的风格。他没有深入的视角将人或人造物体与景观等同起来，这是他在早期绘画和素描中只暗示过的统一视觉。日本的杰作再次成为路标。“广岛热田七里渡轮”（1855年），广重协调了海岸上的人物与天空之下随机的无拘无束的船只，这些船只由天蓝色的大气带组成。这个画面是由红色木桩的横切，其超大尺寸固定在前景。以平行的方式，梵高在法国南部人烟稀少的地区工作，将法国乡村重建为独特的去中心色彩领域，将人类生命的痕迹无缝地融合在一起，因此即使是简单的物体也似乎是艺术的图腾。例如，在“ Les Saintes海滩上的渔船”中“（1888年）苍白的绿色乐队交织在天空中的蓝色和白色之中，当它们在不平的水线附近漂浮时，它们将缓解船上各种各样的彩色桅杆。船只和天空的颜色在汹涌的大海和平滑的沙滩中以各种不同的形状重现。与此同时，海沙之间的边界突然消退，并不是完全平分了画面，而是仍然否认观众的稳定或“正确”的观点。就像一位日本画家一样，他对自然的无所不在的一个控制视角。从日本风景中剔除的这些事态发展也告知“进入采石场”（1888年）和“山沟”（1888年）。在两个平面的角度描述重叠的岩层。这些形式产生了竞争焦点，而各种灰色，蓝色和绿色软化整体构图以描绘石块，山丘和凹陷向内塌陷并以接近完美平衡向外喷发。现实主义屈服于自然的优美波动。移动性恢复到寻找的简单行为。
在阿尔斯的整个工作过程中，他善于利用这种对自然艺术和自然艺术的远见卓识。在绘画后这些命题成为不争的事实。在“带蝴蝶的花园”（1890年）中，一个绿色矮灌木丛的剪影和摇摆的特写镜头模仿了细长植物和长草的粗糙表面，而右边的柱状花朵回响着叶子上的蝴蝶翅膀左边，这反过来模仿了油漆。对Utagawa Kunisada的“海边的螃蟹”（1820年）致敬，产生了一种生动的巡回演出的静物“螃蟹在它的背上”（1888年）。甲壳动物的上翘身体，分成无尽的棕色和红色，似乎被周围的绿地消耗和浮起。鉴于梵高在阿尔勒的逗留期间似乎充满活力和无助的全神贯注，“螃蟹在它的背上”可能最好被看作是一种蒙面的自画像。鉴于这一系列的主题以及他的成果毫无节制的速度，感觉就像是独自一件艺术作品在他生命中的最后两年一样，给这位艺术家带来了激情。从阿尔斯写的，他向哥哥西奥保证：“我在日本这里。”尽管有这种陈述性的语气，但他很清楚“日本”一词的隐喻功能。他的阿尔勒像日本艺术一样，代表了一个区域，艺术与自然最终融合; 他曾写过一封信，设想日本人“像花一样生活在大自然中”，这也是他自己暗示的理想。他的流体画作越来越多地模仿植物的生长喷发，雨和风的削减和切片效应，海洋的膨胀和摇摆以及地球本身不均匀的地质旋转。尽管在绘画方面表现得非常流利，但在社会范围内，梵高却挣扎不已。首先，阿尔勒的许多当地人都对荷兰未婚荷兰画家生活在他们中间的不可预测的存在感到不安。有些人通知当局。而且，更令人震惊的是，他计划与他的朋友保罗·高金和埃米尔·伯纳德（一个仿照他对日本艺术家的和尚形象）的社区创建一个艺术家的殖民地，倒塌了。梵高越来越孤立和精神病变得越来越明显，但并不主宰展览的后半部分，至少不是在画布上的图像或精湛的图画中。为了恢复足够的平衡以再次画画，时不时为自己精神病院检查自己，甚至在那些充满痛苦的日子里，通过日本艺术家的想象的原型来融合自然和艺术，他得以维持下去。在梵高给高更绘画的“自画像作为一种激情”（1888年）中，凡高改变了他的相貌以符合他认为日本僧人的面貌应该类似的东西。他描绘了自己直立时的头发修剪，他的角脸被画得憔悴，浓密而平静，圆顶形的头部被发光的绿色所环绕。高更和伯纳德给他的相互自画像，
如果到1889年，情况似乎如此，无法治愈的精神疾病带来的痛苦使他走到了自杀的边缘，但它并没有在绘画中明确表现出来。即使在悲惨的“绷带耳自画像”（1889年）中，以日本平版画为特色的具有丰富色彩的救赎背景也与伤口一起呈现。艺术，体现在印刷品上，不是救赎或治疗; 这是艺术家的生态系统。然而，最终，日本作为灵感的叙事在梵高惊人的范围之下崩溃。尽管这一时期的许多肖像画都融合了日本木刻贵族和妓女的裁剪视角和锯齿状线条，但他们经常大量借用伦勃朗和维米尔的荷兰黄金时代肖像的超个性化，内省的例子，画家van高敬久久不惑。但是鼓舞人心的消息来源让他在闭幕一年的作品中留下了一席之地。尽管这个展览的第三层鞋垫的标题是在 [日本] 梦想到 这些最终作品之后，它们看起来像是开始，而不是结局，当然也不是像经常被人争论的那样编码自杀纸币。1890年，据说他的儿子以他的叔叔文森特的名字命名的诞生已经完成，这表明凡高在几个月的时间内已经超过了他已经超过的范围，来自日本的艺术。在“杏仁花”中，形状不规则，枝繁叶茂，交错缠绕，长大，向外和四周，似乎从框架外延伸出来，从四周侵入画面。树枝和花朵倾斜，转动并与青金石天空交织，如此清晰，以至于访客可以想象通过秸秆和花朵之间的通风间隙。这张照片是在梵高在法国的奥弗斯胸口自行枪击致死的几周前画的。这种无法弥补的行为的“灵感”，更let论他在之前所做的工作，将继续提供令人喘不过气的猜测和学术复制。希望它也能为未来的意向良好的，像日本的Inspiration这样的罕见展览提供深思熟虑的主题。但总的来说，梵高的独创性成功了，因为它通过模仿发现了编织持久独特性所需的最终线索，我们可以继续称之为天才，只要我们注册为精明的判断力和不懈的劳动力。
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