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学戏一定要稳扎稳打，学到筋骨，忌讳浅尝辄止，“抓一把就跑”。著名表演艺术家、教育家茹富兰先生就经常教育他的长子茹元俊，“学戏要常问自己，会了，对了吗？”这句话其实就是艺术创作过程中的“美丽的圆圈”，由不会到会，再到不会。明清之初的著名思想家傅山（青主）也曾说过：“不会要会固难，会了要不会尤难也，吾几时得一概不会耶？”前辈艺术家对学戏过程也有一个精炼总结，“学不等于会，会不等于对，对不等于好，好不等于精，精了还要精益求精”。这是各门艺术都必须遵循的规律。
“学”是学戏的初级阶段，学会了剧目、练会了一些功法，明白了本行当表演程式的技巧，并能在台上模仿出来，这主要说的是“技”；而“对”是指演员能正确地理解和刻画人物，严格地按照程式规范塑造人物，这里讲的是从人物出发；那么“好”就是指演员的表演准确到位，能熟练地掌握程式技巧，为创造人物服务，强调熟练运用；最后是“精”，它是指精确地运用表演方法，表演生动感人，具有较强的艺术魅力，并展现出自己的艺术风采。“精益求精”是指用艺无止境的发展眼光对待自己所从事的舞台艺术，从而在表演的思想深度、艺术创造的新颖度和运用技艺的精彩程度上不断提高。
这说明一个道理，“只有学不会的，没有用不着的”。我们强调“学”，其中最重要的是要学习艺术家的创造方法。学习表演艺术不能只学外表，光在“形”上下功夫， 应该学习艺术家的创造方法和思路。国画大师齐白石先生向来认为“学我者生，似我者死”，就是说明要学其方法，不要学其外形。我们学习传统剧目是在继承的基础上进行创造，死学是根本行不通的，艺术要发展，贵在创造，没有基础的创造只能是空中楼阁，无本之木。反之，有的演员一辈子学的不少，亦步亦趋，舞台上的表演特别像某位艺术家，而根本没有自己的东西，甚至演了一辈子的戏根本没有明白演什么人物。
对于表演几乎是没开窍儿，在舞台上只表演程式，卖弄技巧，满台费劲折腾，虽有些掌声，但人物演不出来，成了行尸走肉的无情杂耍，一点也不能打动观众。我们从一些人纯形式模仿的结果中看到，有时在前辈艺人身上作为优点存在的特征，移植到他的身上就变成了严重的缺点，即使模仿得再好，也是前者的翻版。“光说不练嘴把式”，是指一些人强调玩嘴皮子的功夫，而不去真刀实枪的训练。练是学习的深化，任何艺术都需要严格的训练才能达到基本的要求，没有练习只能是纸上谈兵，无法落实。
老师在剧目或基本功的课堂上教学，主要是把必须要常握的教学内容、要点、难点、重点给学生讲解和示范出来，老师在课堂上强调的是知识和技能的传授，而不是单纯地给学生练功。学生明白了老师的要求或者模仿了个样子是远远不够的，必须在课后进行反复的练习，只有经过苦练，把老师的要求化在自己的身上才是真正掌握了教学内容。如果平时不练，技艺不精，到了台上，腿脚不听使唤，内心老是担心技巧不到位，那么根本就谈不上创造人物和高难技巧了，只能是心有余而力不足。
当然，“拳不离手， 曲不离口”，练功也决不能“三天打鱼，两天晒网”。有句戏谚说得好“一天不练自己知道，两天不练同行知道，三天不练观众知道”，这说明练功不能松懈的必要性。艺术大师梅兰芳先生曾说过“演员掌握了基本功和正确的表演法则，扮演任何戏曲形式的角色，才是能够得心应手，扮谁像谁的”。不练不行，但同时又要防止死练和傻练。熟能生巧是很多人的共识，认为一定的量变就会产生质变，从一定意义上来看，熟练确实在一定程度上解决了技能或技巧，量变会产生质变。
但是，简单、重复、机械的训练是否就是预想的质变，这一点就值得我们思考了。戏曲教育家王瑶卿先生曾说过：“熟能生巧未必巧，要想生巧需用脑。”也就是说，练功、学戏都要动脑子，要苦练加巧练。技术需要苦练，但绝不能练死了，要练得法，要掌握住技术，而不让技术拿住自己。俗话说“功夫不亏人，功夫不饶人”，“台上一分钟，台下十年功”，戏曲表演的唱念做打各项功夫都需要勤学苦练，只有坚持不懈地训练，把技术练到成为自己的第天性，在塑造人物时，才能下意识地运用出来，才能技艺娴熟，得心应手，运用自如。
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